Retrospectiva de Damien Hirst

La Tate Modern, el museo Londinense de arte contemporáneo, reúne estos días una retrospectiva de la obra del británico Damien Hirst, el artista vivo con la obra mejor pagada de la historia.

A la entrada de la exposición nos recibe la fotografía de un sonriente y joven Damien Hirst posando al lado de la cabeza seccionada de un hombre. En el centro de la muestra encontramos sus grandes obras: “La imposibilidad física de la muerte en la mente de un ser vivo” un tanque que contiene un tiburón suspendido en formol, “Mil años” la cabeza de una vaca en descomposición rodeada de moscas, “Sol negro” hecho con miles de moscas, los armarios de medicinas llenos de pastillas, las ovejas blanca y negra, la sala repleta de mariposas que revolotean alrededor de los visitantes…

Sin embargo, además de estas y otras muchas obras del artista que se exhiben en la muestra principal, que es de pago, en otra zona recientemente abierta del museo se encuentra expuesta de forma gratuita una de sus obras más polémicas “Por el amor de Dios” un cráneo humano cubierto por mas de 8.000 diamantes que se expone cuidadamente iluminada en una pequeña sala en casi completa oscuridad, dejando hechizados a los visitantes con la multitud de destellos de colores que reflejan los cristales. Ésta obra se vendió en su día por 50 millones de libras esterlinas, aunque posteriormente se descubrió que fue el propio Hirst quien pagó tan alta suma, tal vez por el placer de seguir durante mucho tiempo siendo el artista vivo con la obra mejor pagada.

La exhibición está organizada de forma cronológica y quiere ser un repaso completo de la carrera del artista, como por ejemplo desde sus primeras pinturas “de puntos“ han derivado en su “Sol negro” de moscas que hace una referencia a la totalidad de la existencia humana. Sin embargo, el tema central de su obra siempre ha sido la muerte y todo aquello que la rodea, por lo tanto su obra siempre ha estado envuelta en una gran polémica premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento mediático. Por ejemplo, las autoridades de Nueva york le negaron en su día el permiso para exponer su “Pareja muerta follando dos veces”, dos cadáveres de un toro y una vaca flotando en formaldehído.

El evidente interés de Hirst por sembrar polémica no es más que otro intento por llamar la atención sobre su obra y sobre sí mismo como artista innovador y extravagante. El empleo de materiales “vivos pero muertos” es uno de los puntos más desconcertantes de su obra, que provoca recelo, asco o estupor, pero siempre expectación.

Hirst se ha convertido en un artista consagrado cuyas obras atraen siempre importantes sumas de dinero. Tanto es así que esta exposición podría resultar una hábil maniobra comercial en la que todos salen ganando. Él porque la gran publicidad que le granjea esta muestra, en un museo que de joven juro no pisar nunca, va a disparar su notoriedad y las ventas de sus obras en un momento económicamente crucial. Así mismo, La Tate Modern, se asegura millones de visitas gracias también a los Juegos Olímpicos y a la interesante trampa de hacer gratuita una parte de la visita que deja con ganas de más.

En definitiva es una muestra atrayente que enseña la compleja obra de este artista conceptual. Una obra que todos deberíamos, como mínimo, conocer, dejando a un lado gustos y recelos, como una muestra más de este nuevo estilo de hacer arte que está revolucionando la cultura y desgraciadamente también la moneda.

FERNANDO SANCHEZ CASTILLO

La cámara frigorífica del matadero de Madrid recoge estos días el monumento “Síndrome de Guernica” un gran cubo de chatarra comprimida que en realidad es el desguazado yate construido para el dictador Francisco Franco. El autor Fernando Sánchez Castillo, uno de los artistas españoles contemporáneos más reconocidos de forma internacional. 

En un guiño al cubismo de Picasso, que ya nos adelanta el propio nombre de la obra, el artista pretende dotar a su creación de una reflexiva carga retórica al emplear la figura prismática del cubo, muy utilizada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva, que elimina cualquier referencia sentimental o emotiva de la obra. Sin embargo el cubo no está completo, en realidad esta hueco por dentro, detalle que a primera vista pasa desapercibido al espectador. Esta forma característica asemeja la obra a un bunker de guerra, recordándonos el pasado militar del, en su día, barco del dictador. Además, para el artista, este hueco oculto, simboliza un problema que aún sigue ahí.

Una reflexión paralela surge del mismo cubo de chatarra como símbolo de la obsolescencia de los objetos y emblemas pasados y contemporáneos que se ven constantemente reciclados. En este punto el artista divide la obra en las tres partes fundamentales de su historia. Su uso en la dictadura como exaltación de un “héroe”, la indecisión de los tiempos de nadie y la democracia que no sabe qué hacer con esa parte de su historia, y la superficial frivolidad, lejos de toda nostalgia, de los tiempos “poscapitalistas” actuales con respecto a estos símbolos.

El monumento que es la obra critica el propio acto de monumentalizar en una sátira irónica. Al igual que los leones de las puertas del congreso fueron construidos con el metal de los cañones que ayudaron a ganar la guerra, o las catedrales de los vencedores se construyeron con las piedras de las de los vencidos, así nos provoca una reflexión acerca de la caída del franquismo sobre cuyos cimientos se construyó la democracia y la vida tal y como la conocemos actualmente.

El artista habitualmente trata temas de la historia reciente española y problemas que afectan a la sociedad actual, abordados mediante los símbolos preestablecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda. En un estilo conceptual pretende hacernos reflexionar para que no se olviden los problemas que para él aun siguen existiendo.

 Emplea diferentes técnicas, dependiendo de cada obra, pero suele transformar objetos comunes de gran tamaño en algún tipo de instalación. Como por ejemplo el camión antidisturbios que situó como fuente en el centro de un lago de la madrileña localidad de Alcorcón. Obra muy polémica con la que pretendió darle una nueva utilidad a este camión para representar un tema de abuso de poder que aún está sin resolver. Estos camiones de utilizaban para lanzar chorros de agua de alta presión a los manifestantes. Con frecuencia el agua estaba teñida para facilitar la posterior detención de los manifestantes. Si bien las formas han cambiado, se siguen utilizando medidas abusivas en contra de la libertad de expresión y el derecho a manifestarse.

Este tipo de arte resulta interesante para el espectador especialmente por su sentido crítico que induce a la reflexión y al recuerdo de algo que forma parte de nuestra historia y que debe ser conocido por todos para poder ser adecuadamente juzgado, y así no caer en el olvido en medio de la frivolidad de los tiempos en que vivimos.

Asimismo sería interesante mostrar este tipo de arte a los jóvenes de hoy en día para evitar la común desinformación de este sector tan importante de la población. Sin embargo la obra en si debe ir acompañada de una reflexión del autor, o mejor de un debate cara a cara entre artista y espectadores, para que los jóvenes alcancen a comprender la complejidad de la obra y todos sus puntos de reflexión.

 

Caitlin Hackett

Hace poco descubrí a una interesante ilustradora, se trataba de la estadounidense Caitlin Hackett cuyo trabajo cercano al surrealismo hace alusión a las fronteras que separan a los humanos de los animales, tanto física como espiritualmente, y cómo estos límites son deformados por los nuevos datos científicos, la mitología, la historia y las creencias religiosas por igual, borrando los límites sobre lo que es el ser humano, y lo poco que nos separa de los monstruos o de las bestias de la naturaleza.

              La artista se centra en la forma en que las personas personifican o ignoran a los animales, la forma en que el punto de vista humano de un animal puede hacer de él un objeto de utilidad, un compañero digno de confianza, o una monstruosidad. Esto es lo que pretende mostrar en su trabajo, la esencia real del animal en comparación con la idea abstracta que se tiene de él en la mente humana. El significado simbólico atribuido a las diferentes especies se correlaciona directamente con la forma en que son tratados en el mundo real, en el que hay criaturas que están bien vistas y protegidas, como perros o aves, y otras que despiertan repulsión, como es el caso de los insectos o las ratas.

         El característico estilo de esta artista es cercano al surrealismo onírico, en el uso de hibridaciones, deformaciones y seres imposibles que pueblan un mundo desolado y gris. Sin embargo, su toque personal lo pone el carácter tenebrista y tétrico de todas sus composiciones, la presencia de esqueletos, la mezcla un tanto estrambótica de seres deformes y demás monstruosidades. Además de las inquietantes líneas quebradas y sinuosas que emplea, los tonos lúgubres en medio de un mar de colores claros, los elementos que parece que no debieran de estar ahí y el sentimiento de tristeza, soledad o marginación que parecen expresar las criaturas nos hacen preguntarnos sobre qué es lo que la artista pretende contarnos y que va más allá de la imagen que estamos viendo.

Sus obras son composiciones que hablan del sentimiento de la gente, ya sea bueno o malo, hacia los animales, y sin palabra alguna los propios seres de los cuadros nos revelan con ironía su dolor o incomprensión hacia la injusticia que los rodea, como la elegante mujer adornada con el cadáver en descomposición de una zorra o el cordero mutante en un paraje destrozado.

Esta novedosa artista está rompiendo los moldes del arte ilustrativo tal y como se concebía hasta ahora. Fundiendo el pasado de la pintura con algo que aún apenas está empezando ha triunfado en un campo que hasta hace muy poco estaba reservado al cómic tradicional. Es interesante que la gente conozca su obra, así como la de tantos otros que también están empezando a innovar y a crear tendencia, como el español Luis Royo o el japonés Ryohei Hase. Al enseñar este tipo de arte, además del convencional, en universidades y centros de arte, hace posible que se formen alumnos con un amplio conocimiento  artístico que algún día contribuirán a aumentar el complejo y versátil mundo del arte.

Auguste Rodin en Cáceres

Retocando fotos de hace algunos meses recordé una exposición al aire libre que visité en la plaza mayor de Cáceres con motivo de la iniciativa arte en la calle, que pretende acercar el mundo del arte al público sacándolo de los museos e instalándolo en lugares concurridos.

 

Las obras de la exposición nos acercan al mundo del artista Auguste Rodin que introdujo una fuerte innovación en el mundo de la escultura neoclásica, y rompiendo con el férreo academicismo dotaba a sus obras de gran expresividad contenida. Así mismo modernizo la escultura pública y monumental, apostando por exponer sus esculturas al aire libre. Precisamente por esto, esta exposición saca a la luz algunas de las obras más famosas del artista para exponerlas en esta plaza.

En total son siete obras entre ellas el famoso Pensador, que no se trata del original, que esta sobre la tumba del artista, sino una copia, igual de válida ya que salió del mismo molde que la primera. Esta obra nos muestra al poeta Dante como a un hombre en tensión pero reposado e imperturbable, que parece sumido en hondas reflexiones o abrumado por sus pensamientos. Le acompañan seis esculturas que formaban el estudio inicial de la obra de Los burgueses de Calais que inicialmente fueron concebidos por separado, pero que finalmente formaron parte de un conjunto.

Patricia Piccinini

Hace poco me topé por casualidad con el trabajo de esta artista hiperrealista australiana tan peculiar. Ella crea en sus pinturas, instalaciones y esculturas un mundo evidentemente irreal, sin embargo una vez que se penetra en ese mundo para descubrir sus historias y desvelar su mensaje, encontramos que en el fondo es muy cercano a nuestra realidad cotidiana, marcada por la velocidad vertiginosa que nos imponen los avances tecnológicos y por el impacto en nuestras vidas y entorno de sus contradictorias y, a veces, impredecibles consecuencias. Es entonces cuando su obra se nos antoja mucho más real de lo que nos parecía en un principio

En conjunto la obra de la artista, plantea cuestiones sobre aspectos fundamentales de nuestra existencia: nuestra artificialidad, nuestra responsabilidad para con nuestras creaciones, nuestros hijos y nuestro entorno, nuestros animales de compañía... Un cóctel amable y aborrecible, según la percepción de cada uno, dado el grado de realismo con que son tratados estos extraños, pero a la vez cálidos y cercanos seres. Su trabajo se convierte así en un foro de discusión, principalmente sobre los impactos de la tecnología de la forma de vida. La artista está muy interesada en cómo las ideas contemporáneas de la naturaleza, lo natural y lo artificial están cambiando en nuestra sociedad, mediante materias como la biotecnología, la terapia genética y la investigación sobre el genoma humano.

Muchos otros artistas colaboran con ella en la realización de sus obras, desde diseñadores gráficos como Dennis Daniel a escultores y pintores como Robin Fisher y, el más conocido, Sam Jinks.

Patricia Piccinini tiene esculturas muy conocidas, como sus paisajes rojos o los “Little Helpers”. Una de las obras más famosas de esta artista, “The family” ha sido objeto de muchas bromas y trucos en la red con motivo de la extraordinaria hibridación entre hombre y perro.

Me parece importante que este estilo, tanto por su forma como por su contenido conceptual, sea dado a conocer desde exposiciones y centros de la enseñanza artística,  como parte de una educación completa junto con las materias habituales, pues es un arte en auge que todavía va a dar mucho que hablar.

Da vinci,el genio

En la exposición “Da Vinci, el genio” del centro de arte canal, encontramos una muestra dedicada íntegramente a la figura de Leonardo da Vinci. Hay recreaciones de sus espacios de trabajo ilustrando una faceta más íntima del artista y acercando al público a la personalidad de Da Vinci, como por ejemplo con la réplica de su biblioteca y su estudio lleno de códices y manuscritos, además de cinco dibujos originales del pintor. También hay una proyección cinematográfica en 3D sobre su vida con la que se pretende aproximarnos a la mente de este genio. Así mismo hay numerosas obras de sus discípulos, como “La última cena” de Giampietrino, y reproducciones de muchas de las máquinas que creó Da Vinci, algunas de ellas además son manipulables, e ilustran las distintas áreas de trabajo del artista. Por último encontramos varias reproducciones de las obras más famosas del artista ya que los originales que se conservan son demasiado frágiles para su continuo traslado.

 
Además de la exposición en sí se realizan talleres infantiles para dar a conocer a los niños el mundo particular de Leonardo, también hay un rincón dedicado a la gastronomía en el que se pueden probar productos típicos italianos. El cocinero Sergi Arola se inspiró en la vida y entorno de Da Vinci para crear sus platos.

 

En la exposición llama especialmente la atención la revelación de los últimos “secretos” descubiertos del cuadro de “La Gioconda” que fueron identificados por el científico Pascal Cotte, que realizó un escáner digital con el cual examinó detalladamente a “La Gioconda” después de retirar el marco y el cristal. En ese escaneo descubrió nuevos detalles de la obra como que, por ejemplo, el cuadro tenía otros colores inicialmente, que con el pasar de tiempo se oscurecieron, también se descubrió que la Mona Lisa sujetaba una manta con la mano y que la expresión de su rostro era diferente.

 
Paralelamente se descubrió que la versión de “La Gioconda” del prado no era de Leonardo, como se le atribuía en un primer momento, sino de un discípulo suyo que realizó la obra a la vez que su maestro. Actualmente ambas se encuentran en el Louvre para poder ser comparadas. En la que estuvo en el Prado se observan ciertas diferencias, como la silla en la que se sienta, la postura, los colores más vivos, todo ello gracias a que ha sido recientemente restaurada lo que permite apreciar mejor algunos detalles que en la del Louvre están ocultos.

La genuina obra que se conserva de este versátil artista abarca desde la pintura, arte por el que es más conocido, hasta el dibujo, la escultura, los inventos que tanto le caracterizaron, la música, la poesía, la escritura y hasta la filosofía. Sin embargo solo se conservan quince obras suyas, algunas tan famosas y versionadas como “La última cena”, además de unos cuantos dibujos como el famoso “Hombre de Vitruvio”. Como inventor, conservamos numerosos escritos y bocetos, sin embargo pocas de sus maquinas pudieron realizarse en su época.

 Es muy interesante dar a conocer, desde los colegios hasta los museos, la obra de este artista tan adelantado a su tiempo, cuya inquieta curiosidad solo es comparable a su increíble capacidad inventiva, sería bueno que todo ello contribuyera a estimular la creatividad de la gente, especialmente de los jóvenes de hoy.

Circo Romanés

Hace poco fui al Teatro-Circo Price a ver el espectáculo de circo Cirque Tzigane, de la compañía Romanés, uno de los únicos circos gitanos que aun podemos encontrar en Europa. Una obra única que nos acerca a la tradición familiar del arte zíngaro en el que tan importante es la precisión en la ejecución de las distintas disciplinas circenses como la ambientación y el clima que rodea el espectáculo.

En un ambiente libre y natural, lleno de color y con música en directo, un grupo de diversas edades, la mayoría de una misma familia, llevaban a cabo un espectáculo alucinante y divertido, muy espontáneo y original donde los pequeños y escasos fallos no cobran importancia y quedan convertidos en una brillante improvisación. La música de los Balcanes en directo y de una excelente calidad, acompaña en todo momento al espectáculo, suave e incluso triste en los momentos de danza clásica y frenética en los arriesgados números de baile, trapecio y cuerdas. Todo ello acompañado de la maravillosa voz de Delia Romanés y los coros de toda la familia. Impresionantes los malabarismos y los bailes aéreos, todos sin ningún tipo de sistema de seguridad, ni siquiera ropas ajustadas y anti roces, más bien al contrario, abundaban las ropas anchas y vistosas, faldas hasta el suelo y melenas largas y sueltas. Todo ello incrementa la sensación de libertad y desinhibición, a la vez que elevan la dificultad de las actuaciones.

Mientras se lleva a cabo cada número, el resto de los miembros de la compañía, desde los niños pequeños hasta los abuelos, incluso un perro que también participa en el espectáculo, gritan, animan y cantan. En conjunto un espectáculo circense como los que antaño poblaban las ferias, para divertirse y dejarse llevar, con momentos de tensión, risas, y frenético baile.

En definitiva un estilo de circo que nada tiene que ver con los típicos espectáculos de osos y payasos, es una nueva forma de hacer este arte digna de ver, que evade al público de las regias y cerradas composiciones a las que está acostumbrado, sumergiéndole en un mundo despreocupado y alegre que gusta a todos los públicos. Me parece muy interesante que este estilo sea conocido por todos, especialmente los jóvenes, como inspiración de algo nuevo en donde es posible ver una obra libre y natural a la vez que elaborada y cuidada.